Er is iets verontrustends aan de gedachte dat een sensor kan vaststellen wat je voelt nog voordat je het zelf doorhebt. In feite doen steeds meer theaters over de hele wereld precies dat – niet als een sciencefiction-experiment, maar als een echt artistiek en wetenschappelijk hulpmiddel. Honderden jaren lang kende de theaterzaal maar één richting van interactie: acteurs die zich tot het publiek richtten. Maar nu begint het langzaam de andere kant op te kijken.
Het begon op een kleine, rustige schaal, zoals zo vaak in de culturele sector. Onderzoekers en theatermakers wilden weten waarom sommige voorstellingen echt aanslaan bij het publiek en andere niet. Hoe onbetrouwbaar applaus en enquêtes na afloop van een voorstelling ook zijn, ze wilden er niet op vertrouwen. Mensen geven ofwel antwoorden die sociaal aanvaardbaar zijn, ofwel zijn ze de details alweer vergeten tegen de tijd dat ze in de foyer aankomen. De vraag was: wat gebeurt er op dat moment in het lichaam?
Tegenwoordig kunnen biometrische sensoren je een antwoord geven, of je in ieder geval in de juiste richting wijzen. Hartslag, huidgeleiding, ademhaling en kleine gezichtsbewegingen zijn allemaal onbewust uitgezonden signalen die aangeven hoe emotioneel betrokken iemand is. Bij sommige voorstellingen krijgen toeschouwers meetapparatuur mee die ze kunnen dragen. In andere gevallen registreren camera’s met software voor gezichtsherkenning subtiele gezichtsuitdrukkingen. Het is klein en nauwelijks zichtbaar, maar het verandert de hele essentie van een theaterbezoek.
Als ik met mensen uit de sector praat, merk ik dat hun reacties variëren van zeer enthousiast tot zeer sceptisch, en soms ervaart dezelfde persoon beide gevoelens. Iemand die verantwoordelijk is voor film en de technologie heeft gebruikt, zei: „Eindelijk een spiegel die niet liegt.“ Diezelfde regisseur vroeg zich echter ook af of kunst nog wel kunst kan worden genoemd nadat deze is aangepast op basis van gegevens over gemiddelde hartslag. Die vraag is niet zomaar loze woorden. Ze roept een belangrijke vraag op: wie bepaalt wat een goede voorstelling is?
Het is onmogelijk om bij deze vergelijking niet aan de muziekindustrie te denken. Streamingdiensten gebruiken al jaren luistergegevens om te voorspellen welke nummers hits zullen worden. Dit heeft geleid tot nieuwe muziek, maar ook tot een zekere algoritmische saaiheid. Het is nu nog te vroeg om te zeggen of theaters dezelfde kant opgaan. Toch is het niet paranoïde om de vraag te stellen; het is gewoon verstandig.
Maar er is ook een reden om sensoren te gebruiken die minder met data te maken heeft en meer met begrip. Mensen die in het theater werken, vooral degenen die met kwetsbare groepen werken zoals kinderen met autisme of mensen met dementie, willen weten hoe ze kunnen zien wanneer een voorstelling te veel is voor iemand of wanneer iets echt raakt. In deze situaties schieten woorden vaak tekort. Een verandering in je ademhalingsritme kan soms meer zeggen dan een evaluatieformulier.
Een ander aspect dat vaak over het hoofd wordt gezien, is het esthetische aspect. Sommige theatergezelschappen gebruiken sensorgegevens niet om de voorstelling te verbeteren, maar als een belangrijk onderdeel ervan. Live hartslaggegevens van het publiek worden via projectoren op het podium getoond. De muziek past zich aan de stemming van het publiek in de zaal aan. Mensen in het publiek beginnen mee te spelen, ook al is hen dat niet gevraagd. Het hangt waarschijnlijk af van de persoon die de voorstelling bijwoont of dit hem of haar een gevoel van vrijheid of juist van beklemming geeft.
Het theater heeft altijd standgehouden omdat het iets doet wat geen enkele andere kunstvorm kan: het brengt mensen in realtime samen, in dezelfde ruimte, met al hun twijfels en angsten. Elk kunstcentrum zal voor zichzelf moeten beslissen of sensoren de ervaring verbeteren of verslechteren. Eén ding is echter zeker: het publiek kijkt niet langer alleen maar toe; het luistert ook.
