Een jonge regisseur staat voor een geprojecteerd beeld van Antigone in een theater, ergens in een stad met een modern theater – wellicht Amsterdam, Berlijn of Gent. Achter haar bevinden zich drie ledpanelen, een livecamera die het gezicht van een acteur uitvergroot en een geluidsontwerp dat nauwelijks op muziek lijkt. Voor haar ligt de 2500 jaar oude tekst van Sophocles. Ze maakt van beide gebruik. Zonder zich daarvoor te verontschuldigen.
Deze paradox wordt steeds zichtbaarder bij een nieuwe generatie theatermakers: hoewel ze zijn opgegroeid met sociale media, streamingdiensten en kunstmatige intelligentie, richt hun artistieke aandacht zich op Shakespeare, Brecht en het Griekse drama – niet om die werken te respecteren, maar om ze te ontleden. Ze zoeken iets wat het moderne theater hen op zichzelf niet kan bieden: structuur. De Grieken wisten al raad met hoogmoed, wroeging en macht die zichzelf verteert. Die reacties zijn nog steeds relevant.
Een deel van de verklaring ligt in het streven naar relevantie. Een klassieke tekst bezit iets wat een nieuw stuk helemaal vanaf de basis moet opbouwen in een wereld van gefragmenteerde verhalen, korte aandachtsspannes en meerdere gelijktijdige narratieve werkelijkheden: het publiek kent het verhaal al, of begrijpt op zijn minst hoe het voelt. Zelfs met een digitale scenografie die totaal verschilt van alles uit de oorspronkelijke tijd, blijft het raamwerk van een tragedie – de spanningsopbouw naar een onvermijdelijk moment – effectief.
Veel jonge makers benaderen de klassiekers via deconstructie. Het openstellen van de tekst voor stemmen die er aanvankelijk niet waren en voor perspectieven die in het origineel werden onderdrukt, is een actieve handeling in plaats van een poging tot behoud. Een Griekse tragedie gezien vanuit het perspectief van de vrouw wier verhaal in de tekst werd weggelaten. Een stuk van Shakespeare dat zijn eigen hiërarchie ontmantelt. De tekst vormt het begin, niet het eindpunt.
Een deel van de aantrekkingskracht schuilt in de esthetische spanning die hieruit voortkomt. Een klassiek Grieks koor wordt bedekt door projectiemapping. Het gezicht van Hamlet wordt uitvergroot door een livecamera terwijl de tekst in het Engels van Shakespeare (Elizabethaans Engels) wordt voorgedragen. Hightech scenografie en de pure, akoestische voordracht van eeuwenoude poëzie smelten samen tot iets wat geen van beide op zichzelf zou kunnen bereiken.
Het is geen sentimentaliteit. Het is ook geen futurisme. Het is iets daartussenin, iets dat nog geen naam heeft. Dat deze trend niet voortkomt uit wetenschappelijk respect voor de canon, is wellicht het meest opvallende kenmerk ervan. De jonge theatermakers die zich door de Grieken laten inspireren, doen dat niet uit verplichting. Ze doen het omdat de structuur effectief is, omdat de vragen die Sophocles stelde dezelfde zijn als die waar zij zelf wakker van liggen, en omdat het vertrouwde kader hen in staat stelt er volledig van af te wijken.
